The Wizard of Oz - Dark side of the moon

Basada en la novela de L. Frank Baum, narra la historia de Dorothy, una niña de una granja de Kansas, a quien un tornado arrastra a un mundo fantástico e irreal. Allí deseosa de regresar a casa, comienza un viaje hacia la ciudad de Oz, donde un gran mago es el único que puede hacer que regrese. Por el camino, entabla amistad con un espantapájaros sin cerebro, un hombre de hojalata que desea un corazón y un león cobarde. Todos juntos irán hacia Oz en busca del cumplimiento de sus deseos Dirigida aparentemente por Víctor Fleming (Gone with the wind, 1939)quien inició su carrera en la industria como operador de cámara de David Wark Griffith (The birth of a nation, 1915) uno de los directores que más aportó al cine y a su lenguaje. Una de las grandes producciones de la industria estadounidense, el musical The Wizard of Oz fue de las primeras películas que incorporó los números musicales como parte de la narrativa, como parte de la historia en sí misma.

Aunque fue filmada en 1939 y tener más de 64 años, al ver el resultado, nos queda la sensación que la película es totalmente atemporal gracias a su innovación en cuestiones de escenografía (set) y producción (vestuario, maquillaje). Además de la forma de representar las dos realidades, por una parte el mundo real de la ciudad de Kansas y el mundo fantástico de Oz, en color.

Película- Musical de la época dorada de Hollywood, protagonizada por una de las actrices icono de la industria Judy Garland (Frances Gumm, (1922-1969.) Otra de sus películas más conocidas es Meet me in St. Louis (1944) dirigida por Vincent Minelli con quien tendría a su hija, la actriz Liza Minelli (Cabaret,Bob Fosse, 1972). Como toda diva del cine de hollywood estuvo sometida a estrictas cláusulas de contrato, como no subir de peso. Murió en Londres a causa de una sobredosis de barbitúricos.

Dirección: Victor Fleming [Richard Thorpe, George Cukor y King Vidor] Guión (Adaptación): Noel Langley, Florence Ryerson y Edgar Allan Woolf, basado en la novela de L. Frank Baum Fotografía: Harold Rosson Montaje: Blanche Sewell Música: Harold Arlen, Herbert Stothart Decorados: Cedric Gibbons, William A. Horning Jack Dawn (maquillajes) Intérpretes: Judy Garland (Dorothy Gale), Frank Morgan (Mago de Oz, Dr.Marvel, guardia, conductor, portero), Ray Bolger (Espantapájaros/Hunk), Jack Haley (Hombre de Hojalata/Hickory), Bert Lahr (León Cobarde/Zeke) País Estados Unidos Año 1939 Duración: 100 min. Color y sepia.

Pink Floyd, sin duda una de las grandes y más influyentes bandas en la historia del rock. Dark side of the moon, lanzado en 1973, es considerado como su mejor disco y la mejor época en su carrera. La alineación estaba conformada por: David Gilmour, Roger Waters, Nick Mason y Richard Wrigth. Según cálculos en estos momentos alguien en el mundo debe de estar escuchando el disco. Desde hace varios años se ha difundido el rumor acerca de la sincronización entre la película The wizard of Oz (Víctor Fleming, 1939) y el disco. David Gilmour lo ha negado, pero al realizar el experimento, el resultado es sorprendente. Existen tantas coincidencias que es imposible pensar que no haya una relación. Todo hace suponer que el disco es una banda sonora de la película; hay coincidencias en las letras, en el ritmo de la canción acorde con la situación en pantalla, en los cambios de ritmo en el inicio de otra secuencia, inclusive vemos como los movimientos de los personajes van acoorde con la bateria.

Para leer la lista completa de coincidencias (Inglés)


1.Speak to Me
2.Breathe In The Air
3.On The Run
4.Time
5.The Great Gig In The Sky
6.Money
7.Us And Them
8.Any Colour You Like
9.Brain Damage
10.Eclipse

Créditos

David Gilmour: Voces, Guitarra, VCS3
Roger Waters: Bajo, Voces, VCS3, Efectos grabados
Richard Wright: Teclados, Voces, VCS3
Nick Mason: Bateria, Efectos grabados

Producido por Pink Floyd Grabado en los estudios Abbey Road, Londres entre Junio 1972 y Enero 1973. Lanzado el 24 de Marzo
Ingeniero: Alan Parsons
Asistente: Peter James
Supervisor de Mezclas: Chris Thomas
Saxofón en "Us and Them" y "Money": Dick Parry
Voces en "The Great Gig in the Sky" : Clare Torry Barry St. John - Coros: Liza Strike

Diseño, Fotografia: Hipgnosis

Ilustraciones, Arte de la caratula: George Hardie

Fotografías de la banda: Jill Furmanosky

Stranger than paradise

Richard Edson, Eszter Balint, John Lurie

Eva, una chica húngara, llega a Nueva York para encontrarse con su primo (Willie) John Lurie y su amigo Eddie (Richard Edson): dos vagos amantes de todo tipo de apuestas y de ver deportes por televisión. Tras de pasar unos días en el departamento de Willie, Eva se muda a Clevaland con su Tía Lotte: una anciana húngara casi robot. Un año después Willie y Eddie deciden visitarla para ir juntos a cualquier parte, a su idea de paraíso, a Florida...

Película estadounidense alejada del esquema de Hollywood, aquel en dónde lo importante es lo "dinámico" y que a los 2 minutos conozcamos todo del protagonista.
Filmada a partir de planos secuencia (filmar sin cortes en un mismo espacio y en un mismo tiempo, unidad espacio - temporal) Jarmusch valoriza el tiempo en pantalla y convierte al espectador en un voyeurista de Eva, Eddie y Willie.

El silencio supera al diálogo brindándonos mucha mayor información acerca de los personajes (actitudes y sentimientos). De una secuencia por episodios de Eva y Willie viendo televisión, del plano secuencia en el cine que no nos muestra lo que ellos ven en la pantalla sino solamente su reacción.

Los viajes en carretera filmados a partir de campos vacíos (se nos muestra el lugar antes de que pase el automóvil) en espacios totalmente discontinuos (carretera en la montaña, corte a: las entrada de una casa) dando la percepción del paso del tiempo. Historia que se cuenta fragmentada en pequeños capítulos diferenciados por disoluciones en negro. Algo que Jarmusch utilizará en su cine (Dead man 1995)

Filmada gracias al apoyo de Wim Wenders. Cuenta con las actuaciones de John Lurie (Willie) saxofonista de la banda de jazz The Lounge Lizards formada a finales de 1978, quien se encargó de la banda sonora. Además de Richard Edson (Eddie) primer baterista de Sonic Youth y Tom Dicillo (Vendedor de boletos en el aeropuerto) y Fotógrafo de la película.

Realizada en 1984, logró colocar a Jim Jarmusch como uno de los directores más representativos del cine independiente estadounidense, además de hacerlo acreedor a la Cámara de Oro en el Festival de Cannes.

Dirección Guión y Montaje: Jim Jarmusch Fotografía: Tom Dicillo Música: John Lurie Sonido: Greg Curry, Drew Kunin Intérpretes: John Lurie (Willie), Eszter Balint (Eva), Richard Edson (Eddie), Cecillia Stark (Lotte), Danny Rosen (Billy) País: Estados Unidos, Alemania. Año: 1984 Duración: 85 min.

Dead man

Johnny Depp

Western que comienza cuando un joven contador de cabello largo, lentes, sombrero y saco de payaso, (Johnny Depp) llega al pueblo de Machine para trabajar en la fundidora local. Es rechazado del puesto y esa noche conoce a una chica prostituta reformada llamada Thelma, con quien acude a su casa sin saber que es la prometida del hijo del dueño de la fundidora. Acusado de asesinato huye hacía las cañadas sin sospechar que es perseguido por un peculiar trío de matones a sueldo. Al despertar conoce a un indio llamado Nobody (Gary Farmer) quien será su acompañante en su odisea hacía...

Película en blanco y negro fotografiada por Robby Müller, fotógrafo de cabecera de Jarmusch al igual que de Wim Wenders y Lars von Trier. De la misma forma que Stranger than paradise (1984), Dead man está construida con base en pequeños capítulos fragmentados por encuadres en negro.

Para contar la historia, Jarmusch utiliza subjetivas ( ver la acción a través de los ojos de William Blake, Johnny Depp, complementadas con los movimientos de cámara que asemejan los movimientos corporales de Depp.

Vemos una secuencia inicial por episodios de William Blake durante su estancia en el tren, donde utiliza las clásicas triadas (Johnny Depp - lo que ve- su reacción) para aparentemente denotar el hartazgo por la duración del viaje.

La banda sonora fue compuesta por Neil Young, quien se metió a un estudio de grabación en donde veía la película e improvisaba con su guitarra.

Película supracultural (que apela al bagaje cultural del espectador, sea el grado que este fuese, para enriquecer la significación de la historia). En este caso desde el nombre del protagonista: William Blake, tal como el poeta y pintor inglés (1757-1825) Además muchos diálogos de la película (sobre todo los dichos por el indio Nobody) son citas de poemas de Blake como: "El águila pierde su tiempo al querer aprender del cuervo" (The eagle never lost so much time as when he submitted to learn from the crow) de Proverbs of Hell. Y el personaje de Thel (prostituta redimida) fue inspirado de la obra: The Book of Thel.

Dirección y Guión: Jim Jarmusch Fotografía: Robby Müller Música: Neil Young Producción: Pandora Films / JVC / Newmarket Capital Group Intérpretes: Johnny Depp, Gary Farmer, Lance Henriksen, Michael Wincott, Crispin Glover, Iggy Pop, Alfred Molina, Gabriel Byrne, John Hurt, Eugene Byrd, Billy Bob Thornton, Jared Harris País: Estados Unidos Año 1995 Duración 115 min.

Mystery Train

Youki Kudoh y Masatoshi Nagase

Tres historias entrelazadas en Memphis, Tennessee: Un par de adolescentes japoneses obsesionados con la música de Elvis Presley y Carl Perkins, llegan al lugar para conocer donde nacieron sus ídolos. (Far from Yokohama). Una mujer italiana en espera de ir a su país a enterrar a su esposo recien fallecido (A ghost) y el asalto a una licorería por parte de unos primos y su amigo (Lost in space).

La conjunción de las tres historias va mucho más allá de la simple estructuración espacio temporal de películas como Amores Perros (Iñarritu, 2000) en donde se utiliza un elemento que todos vemos (choque automovilístico) para simplemente pasar a otra historia.

En Mystery Train ocurre a partir de un elemento (un disparo), que nunca nos será revelada su procedencia hasta el final y que estará presente en cada una de las historias. Además otro elemento es la canción que se escucha en la radio (Blue Moon, de Elvis Presley) presentada por el locutor (Tom Waits) dando una conjunción de espacio - tiempo.

Jarmusch de nuevo cuenta con la fotografía de Robby Müller, en la que el color es trascendental para la historia, basta con recordar la atmósfera gris verde de Memphis, el contraste del rojo intenso (traje del recepcionista) con el escenario azul - verde del Hotel. Además Müller gusta de hacer composición de luz a partir de faros o de anuncios luminosos reales.

La banda sonora de la película fue compuesta por John Lurie (Stranger than paradise 1984, Down by the law, 1987) además cuenta con la actuación de Joe Strummer (vocalista de The Clash, recientemente fallecido)

Dirección y Guión: Jim Jarmush Fotografía: Robby Müller Música : John Lurie Montaje: Melody London Producción: Mistery Train Incorporation Intérpretes: Masatoshi Nagase, Youki Kudoh, Nicoletta Braschi, Joe Strummer, Steve Buscemi Screamin' Jay Hawkins, Cinqué Lee, Rufus Thomas Elizabeth Brach. Tom Waits (voz en off - locutor de radio) País Estados Unidos Año: 1989 Duración 110 min.

Ghost Dog

Forest Withaker

Un asesino a sueldo que se rige a partir del código samurai (libro Hagakure) , es contratado para llevar acabo un asesinato, esto se complica al haber testigos y la mafia que lo contrató busca eliminarlo por todos los medios.

Película llena de contrastes, en donde un asesino a sueldo regido por el código samurai; se comunica solamente a través de palomas mensajeras pero utiliza la más alta tecnología en el robo de autos y gusta de escuchar hip hop. De un mafioso cincuentón amante del rap y de ver caricaturas por televisión. Elementos que dentro de la película son completamente creíbles, es decir, verosímiles con la realidad que se muestra.

De nuevo Jarmusch contó con la fotografía de Müller y en esta ocasión la banda sonora fue realizada por RZA miembro del grupo de hip hop Wu Tang Clan, quien también ha trabajado con Quentin Tarantino (Kill Bill Vol. 1 y 2)

Dirección y Guión: Jim Jarmusch Fotografía: Robby Müller Música: RZA Edición: Joy Rabinowitz Intérpretes: Forest Withaker, John Tormey, Cliff Gorman, Henry Silva Isaach de Bankolé, Tricia Vesey País: Estados Unidos Año 1999 Duración 116 min.

Jim Jarmusch

Director estadounidense nacido en Akron Ohio en 1953, Interesado por la poesía y las letras comenzó a estudiar Literatura en la Universidad de Columbia, pero en el último semestre de su carrera, tras haber viajado a París y descubrir el cine de Ozu (Historia de Tokio, Japón 1953), de Robert Bresson (Un condenado a muerte se escapa, 1956) y Carl Theodor Dreyer (La pasión de Juana de Arco, 1928) decidió dejar su carrera y estudiar cine en la Universidad de Nueva York. Uno de sus maestros: Nicholas Ray (Rebelde sin causa, 1955) fue una gran influencia para él. Su primera intervención en el cine fue como asistente de producción en el documental homenaje a Ray: Lighting over water del director alemán Wim Wenders, con quien comenzó a practicar las cuestiones técnicas del cine y donde conoció e invito a trabajar en sus proyectos a Robby Müller, fotógrafo de la mayoría de las películas de Wenders y de Lars von Trier.

Su estancia en Nueva York ha sido de gran importancia durante su carrera, ya que se involucró en la escena musical de principios de los 80´s al formar la banda de punk The Del-Byzanteens, en donde tocaba los teclados y componía las letras. Gracias a la banda pudo conocer a importantes músicos, que han intervenido en sus películas y elaborado la banda sonora, como ejemplo Tom Waits (Down by law 1986), Iggy Pop, Joe Strummer, Neil Young (Dead Man, 1995), RZA (Ghost Dog, 1999) y The White Stripes.

Actualmente se encuentra en la post producción de su más reciente película, que tentativamente se estrenará en Agosto de este año en el Festival de Cannes y tendrá el nombre de Broken Flowers. Contará con las actuaciones de Bill Murray (Lost in Translation, Sofía Coppola 2003) y Julie Delpy (Before Sunrise, Richard Linklater, 1995) Sharon Stone (Casino, Scorsese, 1995) Chloë Sevigny (Melinda & Melinda, Woody Allen, 2004).
Filmografía

• Coffee and Cigarettes (2003)
• Ghost Dog - The Way of the Samurai (1999)
• Year of the Horse (1997)
• Dead Man (1995)
• Night on Earth (1991)
• Mystery Train (1989)
• Down by Law (1986)
• Stranger Than Paradise (1983)
• The New World (1982)
• Permanent Vacation (1980)

“I have no desire to make films for any kind of specific audience. What I want to do is make films that . . . tell stories, but somehow in a new way, not in a predictable form, not in the usual manipulative way that films seem to on their audiences.”

The Five Obstructions

Lars von Trier, puso la atención del mundo sobre el cine danés cuando en 1995, junto con el también director Thomas Vinterberg (Festen, 1998) lanzó el manifiesto Dogma 95 el cual es un llamado a los directores a apartarse de los efectos especiales en post-producción dirigiéndose principalmente hacia un uso técnico mínimo, para lograr, según los directores, un cine más honesto.

Su trabajo como director fue reconocido a partir de la película The element of crime (1984) seguida de Epidemic (1987), Europa (1990) Luego su película Dogma, Los Idiotas (1998), Para después ser reconocido mundialmente con las multipremiadas películas Breaking the waves (1996) y Dancer in the Dark, (2000). En ambas películas las actrices protagónicas, tanto Emily Watson como, la vocalista islandesa, Bjork fueron galardonadas por su trabajo.

En el 2003 se estrenó su última película Dogville (2003) primera parte de una trilogía sobre los Estados Unidos llamada "USA- Land of opportunities", que incluye las películas Manderlay y Washington. Manderlay ya está completada y se espera su estreno en este año. Se contemplaba que Nicole Kidman, protagonista de Dogville, intervendría en las dos películas restantes pero el papel de Grace Margaret Mulligan será interpretado por Bryce Dallas Howard (The Village, Shyamalan, 2004). Además Lars von Trier continúa con su proyecto iniciado en 1991 el cual consiste realizar una película filmando 3 a 5 minutos, al año, en distintas locaciones de Europa y se contempla su finalización en el 2025.

Los cinco obstáculos (2003) es una película ideada por Lars von Trier, en donde impone una serie de condiciones tanto técnicas como éticas, al también director danés Jorgen Leth, para que reelabore, en cinco ocasiones, su cortometraje El hombre perfecto (1967) tratando de cumplir las condiciones impuestas por von Trier.

Además la famosa reputación Lars von Trier como un director sumamente difícil y pesado, difundida gracias a los documentales de la filmación de sus películas en donde la mayor parte del equipo de producción se pelen con él o abandonan el proyecto. Es un complemento más para Los cinco obstáculos.

Así, para la primera reelaboración las condiciones son: la de no filmar planos con más de doce cuadros por segundo, que no haya un set construido y rodar en un país desconocido para Leth.

La segunda reelaboración reflexiona sobre uno de los problemas del cine: el cómo acercarse a temas complicados o controvertidos, es el caso de la extrema pobreza. Para ello Lars von Trier envía a Leth a filmar a las calles de Bombay. India.

La tercera reelaboración es libre

La cuarta reelaboración consiste en realizarla mediante animación, la cual es odiada por ambos directores. Actualmente la animación trata de parecerse más al mundo real, tal es el caso de películas como The polar Express (Zemeckis, 2004) o Final Fantasy (Sakaguchi, 2001) cuyo supuesto mérito es que los personajes creados por computadora buscan ser lo más fiel al ser humano, surgiendo la pregunta ¿Por qué entonces no grabar seres humanos?. En este caso Leth tiene la idea de utilizar la animación y sus posibilidades como una forma de expresión que acentué las emociones de sus personajes, para tal objetivo acude a Bob Sabiston Director de arte y encargado de la animación en la película Waking Life (Richard Linklater, 2001).

Para la última condición se impone una cuestión ética, el hacer que Leth solamente firme la reelaboración que planea hacer Lars von Trier.

Dirección: Jørgen Leth Lars von Trier Producción: Carsten HolstMarc-Henri Wajnberg Música: Henning Christiansen Fridolin Nordsø Kristian Leth. Fotografía: Dan Holmberg. Montaje: Camilla Skousen Morten Højbjerg País: Dinamarca Duración 90 min

The perfect Human.

Claus Nissen en The perfect Human.

Cortometraje del director danés Jorgen Leth

Película filmada en un set totalmente blanco explotando al máximo el espacio fílmico. De una voz en off que le habla directamente al espectador. De un Claus Nissen improvisando líneas, De planos detalle al cuerpo del hombre y la mujer, mostrando la simplicidad pero a la vez la belleza ímplicita.

Durante 13 minutos se nos muestra al ser humano perfecto, que a la vez es el hombre que es, que actua, que vive.

Dirección y guión: Jørgen Leth Actuación: Claus Nissen y Majken Algren Nissen Música: Henning Christiansen. Fotografía: Henning Camre Ole John País: Dinamarca Año 1967 Duración: 13 min.

Radio Days

Woody Allen no sólo es un excelente guionista sino también un gran director del cine contemporáneo. Entre sus películas más memorables encontramos Bananas (1971), Sleeper (1973) y posteriormente sus obras maestras Manhattan (1979) y Annie Hall (1977). Su carrera como director volvió a tomar impulso a mediados de los 80´s con películas como Broadway Danny Rose (1984), Hanna and her sisters (1986), The purple rose of Cairo (1985) y Radio Days (1987). Hace una semana se estrenó en México su última película llamada Melinda/Melinda (2004) durante la Muestra Internacional de Cine. Se encuentra actualmente en post producción Match Point, protagonizada por Scarlett Johansson (Lost in Translation, Sofía Coppola, 2003) que probablemente se estrene durante este año.

En las películas de Woody Allen, la música juega un papel fundamental, y esa importancia e influencia la logra narrar en Radio Days.

Una película personal-autobiográfica en donde se cuenta la historia de un niño judío de Brooklyn que comienza a maravillarse con la radio a mediados de los años 40´s. Pasa su infancia escuchando las aventuras del Vengador Enmascarado, las transmisiones de la guerra, los comerciales, los éxitos musicales: jazz, conga y sobre todo las grandes orquestas norteamericanas (Glenn Miller & His Orchestra)

La radio es el punto de partida de la historia, en donde se presenta una excelente estructuración del tiempo y del espacio. De espacios discontinuos enlazados a través de la transmisión de un programa de radio (Un lujoso departamento en Manhattan y una pequeña casa en Brooklyn). De planos secuencia (Unidad de tiempo y espacio, es decir, dejar que la cámara filme en un mismo espacio sin cortes en un tiempo determinado) que nos muestra el paso del tiempo y la cotidianeidad de una familia, cuya vida gira alrededor de los programas radiofónicos.

En la película intervienen dos de las actrices emblemáticas y fundamentales en el cine de Woody Allen, Mia Farrow (The purple rose of Cairo 1985, Hanna and her sisters 1986,) como protagonista y Diane Keaton (Manhattan 1979, Annie Hall 1977) en una pequeña intervención.

I've never forgotten any of those people or any of the voices we would hear on the radio. Though the truth is, with the passing of each New Year's Eve, those voices do seem to grow dimmer and dimmer. (Woody Allen)

Direccióny Guión: Woody Allen Intérpretes: Mia Farrow, Dianne Wiest, Seth Green, Julie Kavner , Josh Mostel, Michael Tucker, Wallace Shawn. País: Estados Unidos, Año: 1987. Duración: 85 min.

Diane Keaton en Radio Days